Mondongo, Carrington y Magritte, las obras de arte más caras

Juan Batalla

En 2024, el surrealismo cumplió un siglo desde la creación de su manifesto y se celebró a lo grande con una gran muestra en el Pompidou, pero aquel momento trascedental pudo apreciarse también en las subastas a través de dos obras: “L’Empire des lumières” de René Magritte, la más cara del año (y de la historia del movimiento), y “Las distracciones de Dagoberto”, de Leonora Carrington, que la colocó entre las pintoras más cotizadas del mundo.

En ese sentido el interés por el arte surrealista fue lo más destacado del año pasado: el 85 % de los lotes surrealistas ofrecidos en subastas fueron vendidos, con una tasa de éxito del 95 % en términos de valor.

Pero, más allá de esto, el mercado de subastas experimentó un notable descenso, con una reducción considerable en el valor total de las ventas de las obras más caras. Según The New York Times, el precio acumulado de los 100 lotes más costosos vendidos en 2024 alcanzó cerca de 1.800 millones de dólares, una cifra que contrasta con los 2.400 millones de 2023 y los 4.100 millones de 2022.

Este descenso, aseguran, refleja una tendencia a la baja en el segmento de alta gama del mercado del arte, que ha mostrado señales de desaceleración en comparación con años anteriores. De hecho, en 2024, solo una obra logró superar la barrera de los 100 millones de dólares: “L’empire des lumières” del belga Magritte, lo que contrasta con los dos trabajos que alcanzaron esta cifra en 2023 y los seis que lo hicieron en 2022.

Además, las ventas de piezas individuales que superaron los 50 millones de dólares también disminuyeron drásticamente. Mientras que en 2023 se registraron al menos seis obras en esta categoría y en 2022 al menos 19, en el 2024 únicamente tres piezas lograron superar este umbral. En ese sentido, el valor total de las 10 obras más caras de 2024 cayó más del 22 por ciento en comparación con el anterior y aproximadamente un 55 % respecto a 2022.

La obra maestra de Carrington

Durante mayo, en Sotheby’s de Nueva York, “Las distracciones de Dagoberto”, una pintura de la artista británica nacionalizada mexicana Leonora Carrington, fue comprada por el coleccionista argentino Eduardo F. Costantini por USD 28,4 millones, un récord para la pintora surrealista en un remate.

El cuadro de 1945 es ampliamente reconocido como la obra maestra que define la carrera de Carrington, ya que muestra una rica imaginería surrealista y un color luminoso a gran escala. Julian Dawes, jefe de arte impresionista y moderno de Sotheby’s en Nueva York, lo definió como “la obra maestra definitiva de la larga e ilustre carrera de Carrington, con todas las características de la artista en su apogeo absoluto”.

Constantini, fundador y presidente honorario del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), había adquirido, importantes obras de Remedios Varo -“Simpatía (La Rabia del gato)”, en 2019- y otra de Frida Kahlo, “Diego y yo”, por la que pagó 34,8 millones de dólares en noviembre de 2021. Esta pieza, puede apreciarse en el Malba, en el marco de la muestra Tercer Ojo.

El precio pagado por la obra de Carrington la situó entre las cinco artistas más cotizadas, junto a Kahlo, Georgia O’Keeffe, Louise Bourgeois y Joan Mitchell, como además, la colocó entre los 4 obras surrealistas más valiosas en subasta, superada por el millonario René Magritte y dos piezas de Joan Miró, dejando en el camino a monstruos como Dalí o Max Ernst.

Ya en noviembre, la sociedad Carrington-Costantini volvió a ser noticia mundial, cuando el empresario adquirió la escultura de más de dos metros de altura, “La Grande Dame”, por la que desembolsó casi 11,4 millones de dólares, una obra marca un momento crucial en la carrera de Carrington, quien, a pesar de no tener formación como escultora, logró materializar los seres místicos de sus pinturas en el espacio tridimensional.

El año de Mondongo

Durante el 2024, el dúo Mondongo, compuesto por Juliana Laffitte y Manuel Mendanha, participó de una serie de muestras y fue protagonista, además, por una millonaria venta en el país, algo inaudito.

En junio se presentaron en el Malba con su “Manifestación”, en diálogo con el clásico de Antonio Berni; en septiembre, la instalación Argentina (paisajes) formó parte de la muestra inauguración de Malbas Puertos, en Escobar, mientras que en octubre llegó el turno de “Retratos”, con obras creadas desde 2001 utilizando materiales no convencionales como cera, hilos de coser, plastilina, cristales de strass, tachas y fósforos, en la Torre Macro y, finalmente en “Sin título”, en Arthaus Central, se exhiben dos piezas de su serie de calaveras, nunca vistas en el país, y ‘El baptisterio de los colores’, que quedará de forma permanente en el espacio del microcentro porteño.

La Manifestación fue adquirida por Costantini por un valor no revelado de seis dígitos en dólares, mientras que en diciembre, en el marco de Art Basel Miami Beach, se quedó con Calavera #5, por el precio de USD 470.000. Pero la venta más exhorbitante del grupo se produjo a finales de noviembre, cuando la instalación Argentina (paisajes), que aún puede visitarse en Malba Puertos, se convirtió en la obra argentina más cara de la historia vendida en subastas públicas con un valor de 1.270.000 de dólares.

Adquirida por el coleccionista Andrés Buhar, fundador y director de Arthaus Central, la instalación, creada entre 2009 y 2013, se compone de 15 paneles de 2x3 metros que suman 45 metros lineales. Realizada en plastilina, la obra ofrece una reflexión sobre los ciclos de vida, muerte y renovación, explorando la relación entre el paisaje y la memoria colectiva. La inspiración surgió de un viaje a Entre Ríos, donde los artistas quedaron impactados por la naturaleza y las inundaciones de la región.

La pieza, que será central en un nuevo proyecto cultural de Arthaus en Puerto Madero a partir de 2027, anteriormente había sido presentada en el Museo Moderno (2013), el MAXXI de Roma (2016) y en el marplatense MAR (2022).

Las obras que le siguen ahora son: “Concierto” (1941), de Emilio Pettoruti, vendida en Christie’s en mayo de 2012 a 794.500 dólares; “El cantor” (1934), 782.500, también del platense en Christie’s pero en noviembre de 2008 y luego, “Ramona espera” (1962) de Antonio Berni, en Sotheby’s en noviembre de 1997 a 717.500 dólares.

Magritte, el pintor de los dos récords

La temporada de subastas alcanzó su momento culminante a fines de noviembre con la venta de una de las obras más icónicas del artista belga René Magritte, “Empire of Light” (“L’Empire des lumières”), la única pintura que superó el umbral de los 100 millones el año pasado.

La obra, vendida por Christie’s NY, fue adquirida por USD 121,16 millones, siendo la obra surrealista más cara de la historia y también marcó un nuevo récord para el artista.

El cuadro, creado en 1954, superó con creces su estimación inicial de 95 millones de dólares, tras una intensa puja que se extendió por casi diez minutos. Este evento no solo rompió el récord anterior de Magritte, que había sido de 79,8 millones de dólares en 2022, por otra una versión de 1961 de “L’Empire des Lumières” en Sotheby’s.

“Empire of Light” es parte de una serie de obras en las que Magritte exploró el contraste entre luz y oscuridad, un tema recurrente en su producción artística. La pintura muestra una escena aparentemente contradictoria: una casa iluminada por un poste de luz en plena noche, mientras un cielo azul brillante domina el fondo.

La pieza formaba parte de la colección privada de Mica Ertegun, viuda de Ahmet Ertegun, el fundador de la legendaria discográfica Atlantic Records, y una destacada diseñadora de interiores que emigró de la Rumania comunista a Estados Unidos y que falleció a finales de 2023.

Ed Ruscha, el viajero pop

Aquella noche afiebrada de los récord de Magritte tuvo, además, la segunda venta más cara del año: “Standard Station, Ten-Cent Western Being Torn in Half”, del artista pop Ed Ruscha se vendió por 68,26 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord de subasta para el estadounidense.

“Iba y venía entre Oklahoma y California por la carretera, a veces conduciendo, a veces haciendo autostop por la Ruta 66 de los EE. UU. Y empecé a ver la carretera como material de inspiración. Y me gustaba lo que veía en la casi nada, la quietud del viaje. Y hubo una gasolinera en particular de Amarillo, Texas, que me atrajo”, dijo el artista sobre esta obra que forma parte de una serie realizada durante los ‘60 y que salió con un estimado de USD 50 millones

Al igual que Andy Warhol con las latas de sopa, Ruscha inmortalizó la estación de servicio creando una imagen que se convirtió en un emblema del oeste estadounidense y del canon histórico del arte de posguerra.

El jardín prohibido de Monet

El cuadro “Las ninfas” de Claude Monet se convirtió en el centro de atención durante la subasta modernista de Sotheby’s en Nueva York. La pintura, que forma parte de la célebre serie ‘Nenúfares’, fue adquirida por la suma de USD 65,5 millones tras salir con un estimado de USD 60 millones.

La obra es un ejemplo icónico del legado artístico del pintor impresionista, quien dedicó gran parte de su carrera, desde finales de la década de 1890, a capturar la belleza de los nenúfares en su jardín de Giverny, Francia, hasta poco antes de su muerte en 1926.

En estas pinturas, Monet, que comenzó a trabajar en la serie a finales del siglo XIX, captura la naturaleza y también explora la interacción entre el agua, la luz y el cielo, creando composiciones que parecen trascender el tiempo y el espacio.

La pintura subastada formaba parte de una colección privada compuesta por 25 piezas, perteneciente a Sydell Miller, una destacada empresaria conocida como ‘La reina de la industria de la belleza’ quien, junto a su esposo, fundó y dirigió dos exitosas empresas en el sector de la peluquería y la cosmética.

Jean-Michel Basquiat siempre presente

El artista estadounidense es una fija desde hace tiempo en las listas anuales, un abonado a engrosar las colecciones de los millonarios y lo seguirá siendo un tiempo más, ya que de su prolífica -y también muy falsificable- mano aún quedan alrededor de dos mil obras por salir a la venta.

Sus piezas con mayor valor comercial corresponden al periodo 80-82, antes de convertirse en una celebridad, cuando hacía el traspaso del grafiti y fue apadrinado por Warhol, aunque la mayoría ya se encuentran en manos privadas o museos. Por eso, “Untitled (ELMAR)”, de 1982, una obra de casi 2,44 metros, alcanzó los USD 46.4 millones (aunque se estipulaba que podía llegar a los 60), en una subasta de mayo de la casa Phillips New York

Proveniente de la colección del escritor Francesco Pellizzi, la pintura incluye el enigmático pájaro en pleno vuelo de Basquiat, adornado con una corona de espinas, que remite a los primeros años del artista en el grafiti. Fue a parar a otra colección privada.

El hombre del bombín

“L’ami intime” (El amigo íntimo), que representa al enigmático hombre del bombín, se ofreció a la venta por primera vez desde 1980 durante marzo en Londres, a través de la casa Christie’s. Con este cuadro, Magritte reaparece en la lista con una venta de USD 47.7 millones, cerca de los 50 que esperaban alcanzar.

Fechada en 1958, la obra representa al personaje enigmático que ya es parte de la cultura pop, el “hombre común y corriente, pero también misteriosamente anónimo” de Magritte al que se lo ve casi como una silueta, desde atrás. La pieza había estado en la colección privada de la familia de Gilbert Kaplan, empresario, periodista y director de orquesta estadounidense, durante más de 40 años.

La figura de un hombre con bombín hizo su primera aparición en la obra de Magritte en el cuadro de 1926 “Les rêveries du promeneur solitaire” (Las reflexiones de un vagabundo solitario) y llegó a funcionar dentro de su obra como un símbolo de los burgueses, de las masas anónimas y sin rostro, del trabajador cotidiano y del vagabundo solitario.

Un retrato perdido de Gustave Klimt

“El retrato de la señorita Lieser”, aparentemente robado por los nazis en la Segunda Guerra Mundial, fue adquirido por la galería HomeArt de Hong Kong a un precio mucho menor del esperado: 32 millones de dólares.

La palabra “decepción” fue la más repetida en la sala de “im Kimsky”, la casa de subastas vienesa durante aquel día de abril, ya que se estipulaba con superara los USD 50 millones. La subasta, que empezó con 28 millones de euros, sólo tuvo tres ofertas antes de llegar a los 30 millones finales, después de repetidas apelaciones a más pujas por parte del subastador.

La pieza fue robada durante el nazismo en Austria (1938-1945) a la familia de industriales judíos que la encargó y que pagó por ella el equivalente a 120.000 euros actuales. Varios miembros de la familia lograron huir de Austria, pero Lilly Lieser, una conocida mecenas de la época, fue asesinada en el campo de exterminio de Auschwitz.

Tras la II Guerra Mundial, sus hijas volvieron a Austria y reclamaron los bienes confiscados por los nazis, pero el cuadro no se mencionó en esa petición. La casa de subastas, que no encontró pruebas de que el retrato fuera expoliado, puso como condición para organizar la subasta que el actual propietario compartiera con los herederos de la familia Lieser el importe de la venta. En realidad, no se sabe quién fue la modelo, pero se cree que puede ser una sobrina de Lilly Lieser o, más probablemente, una de sus dos hijas.

Andy Warhol

Otro abonado a este tipo de rankings: Andy Warhol. Durante mediados de mayo en Christie’s New York, esta pieza de su famosa serie floral alcanzó los USD 35.5 millones.

Warhol comenzó a trabajar en su serie Flores en el verano del 64, decidiendo rápidamente que sería el foco de su primera exposición con la galería de Leo Castelli., realizada entres aquel año y 1965. Lo que las hizo especiales fue que, por primera vez, sus obras no tenían un punto superior fijo, lo que permitía que pudieran instalarse de diversas maneras.

A diferencia del trabajo previo, que se inspiraba en imágenes de los medios de comunicación de masas y marcas comerciales, Warhol recurrió a una fuente diferente: una extensión de una revista llamada Modern Photography de junio de 1964, en la que se presentaba una fotografía de siete flores de hibisco tomada por Patricia Caulfield, impresa tres veces en un desplegable brillante para mostrar la variación de color en diferentes procesos químicos.

Otro aspecto único de esta serie fueron las diferentes técnicas y medios que exploró, incluyendo serigrafía, lápiz, acrílicos pintados a mano y pintura fluorescente Day-Glo.

Meules, Monet, Money

Cuando unos de los “Meules” de Claude Monet sale a la venta, las casas de subastas sacan las máquinas de contar billetes de abajo del mostrador. En 2016, una se vendió por USD 81 millones y en 2019, otra alcanzó la cifra de USD 110 millones, por lo que esta pintura de la serie de los Amiares generaba grandes expectativas.

Finalmente, fueron 34,8 millones de dólares lo que se pagó en Sotheby’s New York, durante mayo, por la obra pintada en los campos cercanos a su hogar en Giverny, donde encontró la inspiración para sus famosas pilas de heno.

Entonces, el grano cortado en verano podía permanecer en su pila en forma de cono durante meses, debido a que no en todas las aldeas había una trilladora y se debía espera por una de las máquinas itinerantes. Así, durante años Monet se instalaba con su caballete en el prado “justo al sur del sitio de su futuro estanque de lirios acuáticos y pintó Meules à Giverny”. Esta obra era relativamente nueva en el mercado, habiendo sido vendida de manera privada en 2001 y en una subasta en 1983 en Christie’s Nueva York.

Van Gogh transicionando

¿Qué hace tan especial a esta obra de Vincent van Gogh? Básicamente un descubrimiento realizado por el Museo van Gogh no hace mucho tiempo, lo que la convirtió en una obra de transición, entre sus primera obras y el neoimpresionismo que lo hizo famoso. Pero con el extra bonus de haber sido realizada en París.

“Coin de Jardin avec Papillons”, que representa un vibrante macizo de flores y mariposas en movimiento, fue creada en 1887, durante el segundo año del artista en París, y no en Arlés en 1889 como se creía anteriormente. Este cambio en la datación, aseguraron, subrayó la importancia de su estancia en la capital francesa, donde van Gogh experimentó una transformación radical en su estilo y técnica, influenciado por las corrientes artísticas de la época.

Así, la pintura que en 2018 no logró venderse cuando Christie’s la ofreció “en la región de 40 millones de dólares”, esta vez, sí encontró un interesado, pero por USD 33 millones.

La depreciación de Rothko

En 2015, “Untitled (Blue and Yellow)”, de 1954, de Mark Rothko, se vendió por 46,4 millones norteamericanos en una subasta de Sotheby’s Nueva York. La obra había alcanzado cierta viralidad en 2022 por su parecido con la bandera ucraniana, en medio de la invasión rusa, y quizá, con el ascenso de los últimos años de los mercados asiáticos, el propietario -el multimillonario Farkhad Akhmedov- pensó que era un buen momento de mejorar su inversión, pero en cambio tuvo una una pérdida del 30 por ciento con los USD 32.5 millones que se pagaron en Sotheby’s Hong Kong, el noviembre pasado.

Por otro lado, era la primera vez que se ofrecía una importante obra del artista lituano Marcus Rothkowitz, en Asia, así que la gala fue aún peor de los esperado. El cuadro había pertenecido al fugitivo financiero malasio Jho Low y fue vendido en privado en 2013 antes de que lo subastara en 2015. Aún así, fue la décima venta más cara de 2024.